Rocambole. Arte, diseño y contracultura, un libro que recopila buena parte de su producción. También se refiere a su trabajo con Los Redondos y la importancia de la imagen en la actualidad.
Buena parte de una vida dedicada a las artes visuales ameritaba un repaso, una selección de momentos que dieran cuenta de ese camino recorrido. Así lo entendió Ricardo Cohen, mejor conocido por todos como Rocambole, un artista plástico de vasta trayectoria aunque su nombre esté asociado a una historia particular: la de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. El autor de casi todas las portadas de discos de la banda, de Gulp a Momo Sampler, quiso plasmar en un objeto de colección su trabajo y así nació Rocambole. Arte, diseño y contracultura, de edición inminente.
De cualquier manera, su aparición en el mercado depende más del entusiasmo de sus admiradores que de los tiempos de una editorial, ya que optó por publicarlo a través del financiamiento colectivo en la plataforma virtual Panal de ideas. Y a juzgar por lo recaudado, el libro verá la luz en muy poco tiempo, ya que consiguió reunir todo el monto necesario a pocos días de que finalice la campaña.
Desde sus días como integrante y fundador de La Cofradía de la Flor Solar, un colectivo artístico que compartía con Skay Beilinson, Poli Castro y Kubero Díaz, hasta su actualidad como referente del diseño gráfico, Rocambole es una figura destacada pero a la vez escurridiza dentro del arte argentino. A medio camino entre la masividad –sus portadas son emblemáticas e inmediatamente reconocibles– y el culto, Cohen decide dar su propia mirada del fenómeno que protagoniza, a la vez testimonio de una época y de un estilo.
Además de ilustraciones y bocetos, la obra incluye pinturas, aerografías, gráficas y fotografías. También algunos textos de su autor y otros invitados, como el propio Beilinson, quien define al artista como “experto rastreador del alma humana, el que hace aparecer aquello que estaba oculto en las sombras”.
“Muchas veces me he sentido como un imaginero realizando íconos que nadie va a ver en un mundo que se derrumba”, dice Rocambole.
–¿El objetivo fue recopilar toda tu producción?–Creo que no podría hacerlo, porque algunas cosas ya no las tengo. Pero sí conservo gran parte. Al menos una parte de cada época. En ese sentido, el libro marca una especie de ciclo. No está ordenado de una manera cronológica, pero hay bloques de diversas épocas, mezclados.
–Sos un artista plástico con una obra bastante amplia. ¿En algún momento te molestó que se te relacionara permanentemente con tu trabajo para Los Redondos?–No, al contrario. De alguna manera, si el libro consigue tanta repercusión, es gracias a que trabajé con esos muchachos tan talentosos, que se transformaron en un fenómeno muy importante, en lo musical y en lo social. Eso hizo que las cosas que yo hice con ellos se difundieran de forma paralela al fenómeno masivo. Si no hubiera sido así, posiblemente no estaría hablando con vos en este momento.
Arte autogestionado
–Elegiste el financiamiento colectivo para editarlo. ¿Eso también responde a una ética personal?–Toda mi vida he estado metido en la autogestión, en grupos culturales. Siempre tuve una tendencia a lo que está por fuera de los circuitos habituales, de lo empresarial. Y me pareció que este sistema daba una posibilidad interesante de autogestionar el libro. Quizás viene de mi época de estudiante, de imprimir uno mismo los afiches, conseguir el lugar, y terminar barriéndolo para que quedara en orden.
–El libro incluye textos de Skay, Miguel Grinberg, Rep y Miguel Cantilo, entre otros artistas. ¿No intentaste conseguir al Indio para que escribiera algo?–Al Indio no lo veo hace muchísimo. No tengo su teléfono, no sé llegar a donde vive. Así que hubiera sido medio difícil contar con un texto suyo. Es más fácil ubicar a Skay. Voy a Buenos Aires, me tomo un café en un bar y capaz que me lo encuentro ahí.
–El subtítulo del libro es “Arte, diseño y contracultura”. ¿Dónde encontrás hoy la contracultura en Argentina?–Siempre hay una estructura aceptada, una cultura cuasi social, burguesa, también mal llamada alta cultura. Por otro lado, hay una baja cultura, en donde entraría el arte popular y todas las cosas consumidas por mucha gente. Está la historieta, la cumbia, la telenovela, los folletines. Siempre hubo esa división. Y dentro de esas brechas, en donde a veces se producen las innovaciones, podemos encontrar la contracultura, aquella que busca lo diferente, otros caminos que no son los habituales. A mí siempre me interesaron esas brechas. En algún momento, el rock nacional estaba metido allí, porque no era aceptado, no lo pasaban por radios. Tuvo que ocurrir una guerra contra Inglaterra para que el rock nacional se diera a conocer a través de los medios, siendo que era un gesto de artistas extraordinarios. Bastaría mencionar a Luis Alberto Spinetta. Esas cosas suceden.
–¿En qué lugares dirías que están hoy esas brechas?–En el arte callejero, en los graffitis, en muchas historietas underground. Hay toda una iconografía al respecto que se mueve muy cerca de los ambientes jóvenes. Yo no soy joven, pero siempre estuve ubicado en esas regiones.
–Como referente del diseño, ¿tenés una opinión formada sobre la actualidad de la disciplina?–Estoy muy convencido de que al diseño le cabe un gran protagonismo en los próximos tiempos. Los diseñadores son los responsables de nuestro entorno. Todos los artefactos construidos para el hombre han sido previamente pensados, proyectados. El mundo del futuro le cabe a ellos porque va a estar muy vinculado a la imagen. Estamos cada vez más rodeados de imágenes, a través de las pantallas, desde el teléfono hasta un proyector. En cualquier parte están las pantallas o los banners rodeándolo todo. La responsabilidad de los diseñadores va a estar dentro de ese campo de imágenes. Pero, además, cualquier mensaje o participación, sea artística o sólo comercial, es ideológica. Me parece que el imaginario de un chico que recién comienza tiene que ser cambiado, no sólo diseñar una marca de cerveza o zapatillas. Tiene que formarse y ubicarse para situaciones de responsabilidad, como una campaña contra el hambre. El diseñador tiene que contribuir ideológicamente, con su producción, a un mundo mejor, más solidario y justo. Es lo que aspiramos algunos, al menos.
–Para el logo de los 15 años del Cosquín Rock dibujaste una mano que sostiene un micrófono. ¿Alguna justificación?–No hay demasiado misterio. Fue simplemente destacar al cantante. En casi todos los logos de festivales de rock se destaca la guitarra o al guitarrista. Me pareció que podría mover levemente el eje hacia el cantante, de allí esa imagen.
Fuente : No
